Astrazione lirica o geometrica: quale corrente scegliere per una collezione moderna?

Come collezionista alle prime armi, si trova di fronte a un bivio fondamentale nel vasto mondo dell’arte astratta. Da un lato, il richiamo potente, quasi istintivo, dell’astrazione lirica, con la sua energia gestuale e la sua capacità di evocare emozioni profonde. Dall’altro, il fascino intellettuale dell’astrazione geometrica, che promette ordine, armonia e una stabilità quasi architettonica. Molti si limitano a suggerire di “seguire il proprio gusto”, ma questo consiglio è insufficiente quando il cuore e la mente sono attratti da poli opposti. La sua esitazione non è un segno di indecisione, ma la spia di una domanda più profonda che riguarda l’identità stessa che vuole dare alla sua collezione.

Questo articolo non le chiederà di scegliere tra Vasilij Kandinskij e Piet Mondrian. Al contrario, le fornirà gli strumenti di un art advisor per comprendere la funzione psicologica di ciascuna corrente. La vera domanda non è “quale stile mi piace di più?”, ma “quale bisogno della mia vita e del mio spazio voglio che quest’opera soddisfi?”. Capiremo che questa non è una scelta esclusiva, ma l’inizio di un dialogo. Una collezione moderna e sofisticata non è una raccolta di oggetti simili, ma una narrazione che sa tenere insieme le tensioni: il caos e il controllo, l’istinto e la ragione, il gesto e la forma.

Affronteremo insieme questo percorso, analizzando le basi emotive e razionali dei due movimenti, esplorando le strategie per farli convivere armoniosamente, sfatando miti comuni e, infine, fornendo criteri concreti per valutare un investimento, sia che si tratti di un maestro affermato o di un talento emergente. L’obiettivo è trasformare la sua scelta da un dilemma paralizzante a un atto creativo e consapevole, gettando le basi per una collezione che sia un vero e proprio ritratto della sua complessità interiore.

Per guidarla in questa esplorazione consapevole, abbiamo strutturato l’articolo in modo da affrontare ogni aspetto della sua decisione. Il sommario seguente le offre una mappa per navigare tra i concetti chiave che trasformeranno il suo approccio al collezionismo.

Perché l’astrazione lirica comunica direttamente all’inconscio senza filtri razionali?

L’astrazione lirica è un linguaggio che bypassa l’intelletto per parlare direttamente all’anima. Non chiede di essere “capita” nel senso tradizionale, ma di essere “sentita”. La sua forza risiede nella capacità di tradurre una necessità interiore in un segno visibile, un gesto, una macchia di colore. L’artista non parte da un’idea o da un oggetto del mondo reale, ma da un’emozione pura, un’energia che preme per manifestarsi. Questo processo crea un’opera che agisce come uno specchio per l’inconscio dello spettatore, attivando risonanze emotive e ricordi sopiti che la mente razionale non può controllare.

Vasilij Kandinskij, pioniere di questa corrente, ha teorizzato questa connessione diretta. Per lui, ogni colore e ogni forma possedevano una vibrazione specifica, capace di toccare le corde dell’anima umana. Nelle sue parole, tratte dalla sua opera fondamentale “Lo spirituale nell’arte”:

Certi colori sono potenziati da certe forme e indeboliti da altre. Il colore è il tasto, l’occhio è il martelletto, l’anima è un pianoforte con molte corde.

– Vasilij Kandinskij, Lo spirituale nell’arte (1911)

Questa metafora musicale è centrale. Come una melodia può renderci malinconici o euforici senza un motivo logico, così una composizione lirica agisce sul nostro stato d’animo. Il gesto dell’artista – che sia un rapido colpo di pennello o una colata di colore – è la registrazione di un impulso vitale. Per questo, scegliere un’opera lirica per la propria collezione significa scegliere un catalizzatore emotivo, un’opera che continuerà a dialogare con le parti più profonde e irrazionali di sé, cambiando significato a seconda del proprio stato interiore.

Come la geometria nell’arte porta ordine e stabilità in un ambiente caotico?

Se l’astrazione lirica è un’immersione nell’inconscio, l’astrazione geometrica è un’affermazione della ragione. La sua funzione è opposta ma complementare: non liberare il caos interiore, ma domare il caos esteriore. Utilizzando un vocabolario di forme “pure” – linee rette, quadrati, cerchi, rettangoli – e una palette di colori spesso ridotta all’essenziale, l’artista geometrico non esprime un’emozione personale, ma ricerca una legge universale di equilibrio. Un’opera di questo tipo, inserita in un ambiente, agisce come un’ancora visiva, un punto di riferimento che struttura lo spazio e calma la mente.

L’impatto di questo tipo di arte è profondo. In un mondo saturo di stimoli disordinati, un’opera geometrica offre un’oasi di chiarezza e prevedibilità. Le sue linee nette e le sue composizioni bilanciate guidano l’occhio, riducono il “rumore” visivo e inducono un senso di pace e controllo. Non è un caso che secondo un recente sondaggio del Museum of Modern Art, il 60% dei visitatori apprezzi l’arte astratta per la sua capacità di stimolare la riflessione, una qualità intrinseca all’ordine proposto dalla geometria.

Piet Mondrian, figura cardine del Neoplasticismo, esprimeva questa filosofia con chiarezza programmatica, rifiutando ogni sentimentalismo:

L’arte non deve esprimere emozioni spirituali. Gli artisti credono in una legge universale di equilibrio delle forme espressa attraverso figure geometriche elementari, schematiche e ‘pure’.

– Piet Mondrian, Principi dell’Astrattismo geometrico

Scegliere un’opera geometrica per la propria collezione significa quindi dotarsi di un generatore di ordine. Non è un’opera che le chiederà “cosa senti?”, ma una che affermerà “ecco l’equilibrio”. È una scelta ideale per ambienti in cui si cerca concentrazione, calma e stabilità, e per un collezionista che trova bellezza non nell’espressione dell’io, ma nella scoperta di un’armonia superiore e oggettiva.

Opere gestuali e rigore geometrico: possono convivere sulla stessa parete?

La risposta breve è: assolutamente sì. Anzi, è proprio nel dialogo tra questi due opposti che una collezione moderna acquisisce profondità e carattere. Accostare un’opera lirica e una geometrica non crea una cacofonia, ma una tensione dinamica che arricchisce entrambe. L’energia sfrenata del gesto lirico viene contenuta e valorizzata dalla stabilità della forma geometrica, mentre la rigidità di quest’ultima viene “riscaldata” e umanizzata dalla vitalità dell’altra. È un equilibrio che riflette la dualità della nostra stessa natura: emozione e ragione, istinto e controllo.

Tuttavia, l’accostamento non può essere casuale. Richiede una strategia curatoriale precisa, anche su scala domestica. Ecco un confronto diretto tra le due correnti per aiutarla a visualizzare le loro differenze e potenziali sinergie.

Far dialogare questi due mondi è un’arte. Non si tratta solo di appendere due quadri uno accanto all’altro, ma di creare una narrazione visiva. Per aiutarla in questo compito, abbiamo distillato alcune strategie professionali in un piano d’azione concreto.

L’errore di pensare che “potevo farlo anche io” davanti a un quadro astratto

È una delle frasi più comuni e, allo stesso tempo, più errate pronunciate davanti a un’opera astratta, specialmente se gestuale. L’apparente semplicità di uno schizzo di vernice o di una tela monocromatica nasconde una complessità che risiede non nel risultato finale, ma nel processo intenzionale che lo ha generato. La differenza tra un bambino che rovescia un barattolo di vernice e un maestro come Jackson Pollock non è l’aspetto casuale, ma il dominio assoluto di quel “caso”.

Un maestro astratto ha dedicato anni, se non decenni, a sviluppare un rapporto unico con il materiale, il gesto e lo spazio. Ogni movimento è il frutto di una memoria muscolare e di una coreografia mentale precisa. Quello che a noi sembra un impulso momentaneo è in realtà il culmine di innumerevoli esperimenti, fallimenti e scoperte. È il concetto di “incidente controllato”: l’artista crea le condizioni affinché l’imprevisto possa accadere, ma sa esattamente come guidarlo e quando fermarlo per ottenere l’effetto desiderato.

Un maestro non produce segni casuali, ma ha un controllo decennale sull’incidente controllato. La differenza non è nell’esito che può sembrare semplice, ma nel processo che è complesso e intenzionale.

– Analisi critica dell’arte astratta, Il vocabolario del caso controllato

Capire questo cambia radicalmente il modo di guardare un’opera. Invece di chiederci “cosa rappresenta?”, dovremmo chiederci “quale processo ha portato a questo? Quale livello di maestria è stato necessario per far sembrare così semplice qualcosa di così complesso?”. Superare questo pregiudizio è il primo passo per apprezzare veramente la profondità concettuale e tecnica dell’arte astratta.

Quando investire nell’astrazione geometrica italiana degli anni ’70?

Il momento è adesso. Per decenni, il mercato internazionale e la critica hanno privilegiato altre correnti italiane del dopoguerra, come l’Arte Povera, lasciando in ombra i movimenti legati all’astrazione geometrica, cinetica e programmata. Questa storica sottovalutazione si sta trasformando in una straordinaria opportunità per i collezionisti attenti. Stiamo assistendo a una significativa riscoperta di questi artisti, con quotazioni in crescita ma ancora accessibili rispetto ai loro contemporanei più celebrati. L’interesse per il design e l’estetica degli anni ’60 e ’70 sta trainando anche la rivalutazione dell’arte di quel periodo.

In particolare, l’Arte Cinetica e Programmata, che esplorava il movimento e l’interazione con lo spettatore attraverso strutture geometriche precise, sta vivendo un momento d’oro. Come evidenziato da recenti analisi, l’Arte Cinetica e Programmata italiana sta vivendo una riscoperta critica dal 2020, supportata da importanti mostre retrospettive a livello internazionale che ne stanno riconsolidando il valore storico e di mercato. Questo indica che la finestra per acquistare a prezzi vantaggiosi potrebbe non rimanere aperta a lungo.

Per orientarsi in questo mercato in fermento, è fondamentale agire con metodo. Non basta l’intuizione; servono criteri oggettivi per identificare le opere di qualità e con il maggior potenziale di rivalutazione. La seguente checklist è uno strumento essenziale per guidare il suo investimento.

Segno calligrafico o macchia espansa: quale corrente dell’Informale ha più potenziale di rivalutazione?

All’interno dell’ampia galassia dell’astrazione lirica, l’Arte Informale europea del dopoguerra si divide principalmente in due tendenze: il “Segno” e la “Macchia” (o Tachisme). Per un collezionista-investitore, capire quale delle due abbia maggior potenziale di crescita è una questione strategica. Sebbene entrambe nascano da un rifiuto della forma e da un’enfasi sulla materia e sul gesto, le loro traiettorie di mercato presentano differenze significative. Attualmente, la corrente del Segno calligrafico sembra offrire una narrativa di mercato più forte e un appeal più internazionale.

Artisti come Hans Hartung, Giuseppe Capogrossi o Emilio Vedova hanno sviluppato un linguaggio basato su un segno grafico, quasi una scrittura personale e indecifrabile. Questo approccio ha un’immediata leggibilità come “gesto controllato” e, soprattutto, presenta forti assonanze con la calligrafia orientale. Come sottolineano le più recenti analisi, il ‘Segno’ ha un fascino internazionale immediato per la sua somiglianza con la calligrafia orientale, come dimostrato dalle connessioni con il Gruppo Gutai in Giappone, rendendolo particolarmente appetibile per i nuovi e potenti mercati asiatici.

D’altra parte, l’arte della “Macchia”, tipica di artisti come Wols o Afro Basaldella, si concentra maggiormente sulla materia pittorica stessa, sulla sua densità e sulla sua espansione quasi organica. Sebbene esprima un’autenticità viscerale, la sua narrativa può risultare più europea e meno immediata per i mercati globali emergenti. Inoltre, le opere migliori di questa corrente sono spesso più rare sul mercato. Il seguente schema riassume i punti chiave per un confronto strategico.

Caos casuale o controllo gestuale: qual è la differenza tecnica che definisce un maestro?

Abbiamo già sfatato il mito del “potevo farlo anche io”, ma è utile approfondire la questione da un punto di vista tecnico. Cosa distingue, concretamente, il gesto di un maestro da un tentativo amatoriale che ne imita l’apparenza? La differenza risiede in tre elementi chiave: il ritmo, la consistenza e la capacità di fermarsi. Un artista mediocre può produrre un’opera gestuale interessante una volta, per puro caso. Un maestro può riprodurre la qualità del suo gesto decine di volte, perché non è casuale ma il risultato di un controllo interiorizzato.

Il primo elemento è il ritmo. Un maestro sviluppa una “firma” gestuale riconoscibile, una cadenza unica nel modo in cui applica il colore. La velocità della pennellata, la pressione sul supporto, il modo in cui il colore si “rompe” sulla tela: questi fattori, sebbene possano variare, mantengono una coerenza interna che definisce lo stile dell’artista. Un’analisi attenta di più opere dello stesso autore rivela questa coerenza ritmica.

Il secondo elemento è la capacità di costruire la complessità. Un dilettante tende ad aggiungere strati su strati, “sporcando” il lavoro e rendendolo piatto e confuso. Un maestro come Pierre Soulages, famoso per i suoi “outrenoirs” (oltre il nero), sa che ogni gesto modifica quello precedente e prepara quello successivo, creando profondità e luce attraverso la sovrapposizione controllata. La vera maestria, infine, risiede in quello che gli esperti chiamano “il tempismo della conclusione”.

La differenza cruciale è la capacità di fermarsi. Un dilettante continua ad aggiungere, sporcando il lavoro. Un maestro come Pierre Soulages sa l’istante esatto in cui il gesto è compiuto e l’opera è finita.

– Analisi tecnica dell’arte gestuale, La maestria del non-finito

Come vengono calcolate le quotazioni degli artisti emergenti nel mercato attuale?

Entrare nel mercato degli artisti emergenti è entusiasmante, ma può sembrare opaco. A differenza dei maestri storicizzati, le cui quotazioni sono stabilite da decenni di risultati d’asta, il prezzo di un artista emergente è un costrutto più complesso, basato su un mix di fattori oggettivi e di “capitale reputazionale”. Per un collezionista, capire questa “formula” non scritta è essenziale per fare un acquisto intelligente e non cadere preda della speculazione.

Tradizionalmente, il valore era legato al curriculum dell’artista: la formazione, le mostre, i premi. Oggi, questi elementi sono ancora cruciali, ma si sono aggiunti nuovi fattori. In particolare, nel mercato post-2020, la presenza sui social media e piattaforme online è diventata un fattore misurabile nel pricing iniziale delle opere. Una forte community online non solo garantisce visibilità, ma è anche un indicatore di interesse e potenziale domanda. Le gallerie serie usano una sorta di “scorecard” per definire il prezzo iniziale di un artista. Ecco una versione semplificata di come questi fattori vengono ponderati:

• Prestigio dell’accademia di provenienza: Una formazione in un’istituzione rinomata (es. Brera, Slade School of Fine Art) fornisce un primo sigillo di qualità (peso indicativo: 20%).
• Partecipazione a mostre curate: Essere selezionato da curatori noti per mostre collettive o biennali giovani è un segnale forte (peso: 25%).
• Premi e riconoscimenti: La vittoria di premi importanti è una validazione istituzionale del lavoro (peso: 15%).
• Supporto di una galleria solida: Essere rappresentato da una galleria con un programma serio e una storia di successi è forse il fattore più importante (peso: 15%).
• Prime acquisizioni: Se collezionisti rispettati o istituzioni hanno già acquistato l’opera, ciò crea fiducia nel mercato (peso: 20%).
• Capitale digitale: Una presenza online curata e una community attiva, sebbene con un peso minore, è un fattore sempre più rilevante (peso: 5%).

Ora che possiede una comprensione più profonda delle due anime dell’astrattismo e delle logiche di mercato, il passo successivo è applicare queste conoscenze. Inizi a osservare le opere non solo per ciò che le piace, ma per la funzione che potrebbero avere nella sua vita e nella sua casa. Valuti ogni potenziale acquisto con l’occhio critico dell’investitore e il cuore consapevole del collezionista che sta costruendo la propria, unica, narrazione.